O elã da trama
A exposição o elã da trama celebra a quinta edição da revista Art Dialogues em parceria com o Apartamento 61. Com curadoria de Anita Goes, Mariane Beline e Iara Pimenta, a coletiva examina a relação entre o têxtil, o corpo, a memória e as narrativas a partir de obras dos artistas Alexandre dos Anjos, André Azevedo, Cícero Costa, Fabiana Preti, Luiz Escañuela, Gabriel Pessoto, Jala e Paola Muller em colaboração com Taty Takasse. As obras de arte são acompanhadas pela curadoria de design conduzida por Vivian Lobato e André Visockis, focada em sustentabilidade e preservação cultural, com peças de Guilherme Wentz, Guá Arquitetura, Pirilampos do Planeta, Renata Meirelles e Treivas Architecture Bureau.
Os têxteis são fundamentais em nossas vidas desde o nascimento, conectando-nos a diferentes tempos e lugares por meio da cultura material. Historicamente associados ao corpo e à vida cotidiana, os tecidos moldam nossos ambientes por meio de objetos e elementos arquitetônicos. Partindo dessa relação, a exposição considera como os têxteis refletem a condição humana em diferentes culturas e evocam intimidade, cuidado e experiências sensoriais.
A fiação e o tecer também elucidam narrativas que perpassam a humanidade e figuram em mitologias, como na destreza técnica na tecelagem de Aracne, que a colocou em duelo com Atena, culminando no castigo terrível de sua transformação em aranha, condenada a tecer eternamente. Outro mito é o de Penélope, esposa de Ulisses, que aciona a força do feminino ao articular o tempo a partir do tear, astutamente condicionando seu destino ao gesto de tecer. Pela ação de tecer durante o dia e desmanchar durante a noite, Penélope sustenta o tempo a partir de sua ação ativa, gesto potente que percebemos em cada um dos artistas presentes na mostra.
Na obra de Alexandre dos Anjos, o corpo é central, atravessado por dimensões espirituais, políticas e performáticas que se manifestam na interseção entre o carnaval e a cultura afrodias pórica. Com influência da moda, o artista articula identidade, magia e alegorias por meio de uma colagem de materiais como metal, cerâmica, couro e bordado, conectando o sagrado ao terreno em obras como Serpente/Serafim (2021) e aprofundando investigações ritualísticas em Costeiro Adjá – Oxum, Exú e Ogum (2024).
O carnaval e a cultura popular brasileira também permeiam a prática de Jala, que, a partir de uma abordagem escultórica do corpo, cria objetos e instalações que exploram seu potencial mágico e transformador. Com materiais como látex, tule e metais, e por meio de vestimentas, performances e narrativas, a artista constrói universos visuais vibrantes, nos quais seus adereços — marcados por formas circulares e múltiplas argolas — instauram novas realidades para os corpos que os vestem. As práticas têxteis servem como ferramentas para narrativa, resistência e continuidade cultural na arte contemporânea e na cultura visual.
André Azevedo é interessado na percepção do mundo a partir da matéria. Ao compreender uma associação entre tecido e texto, identificação também realizada por Roland Barthes e Anni Albers, Azevedo investiga plasticamente as palavras a partir de seu encontro com o têxtil. Por meio de processos manuais e do uso de máquinas de costura e de escrever, assim como de seus compo nentes — como as fitas e o papel carbono —, o artista cria obras com composições abstratas e figurativas em que a trama e a linha tem papel central. Na série Datilográfica, por exemplo, imagens são criadas a partir da repetição de elementos tipográficos da máquina de escrever pintando a trama do tecido. Na obra Texto Têxtil (2026), presente na exposição, o artista replica formas geométricas e as palavras texto e têxtil, criando uma combinação instigante de imagem e poesia visual.
Repetição e decodificação gráfica a partir da trama também são exploradas na obra de Fabiana Preti. Baseada na estrutura do tecido e nas relações entre cheios e vazios em talagarça e em tela de mosquiteiro, Preti elabora composições geométricas na série Borboletário. Inspirada em cores de borboletas, a artista cria elementos gráficos que se repetem e se combinam na tela, cujos ritmo e composição promovem a sensação de movimento dos voos desses insetos. Nessa série, a artista também lida com diferentes escalas. Enquanto duas de suas obras na exposição estão em formato médio, o que nos permite uma conexão corpórea mais próxima tanto na composição com rosas vibrantes quanto com brancos e cremes, uma terceira obra chama a atenção por sua escala espacial, estendendo-se da parede ao chão, acentuando o movimento dos elementos gráficos e a relação entre as cores.
As tramas e as estruturas de produção de bordados e tapeçarias também aparecem na obra de Gabriel Pessoto. Em objetos e esculturas que trazem imagens do cotidiano, tanto do ambiente doméstico quanto da paisagem natural, o artista combina técnicas e visualidades digitais e artesanais, de modo a refletir sobre a digitalização da cultura contemporânea, memória, formação de desejos e intimidade. Combinando diferentes mídias e tempos, em que a trama artesanal se aproxima do pixel, as obras apresentam imagens em uma figuração quase abstrata, de uma percepção de imagem digital de baixa resolução, que expõem como se dá a construção dessa imagem. Em Jardim (2024), três esculturas verticais como tótens nos transportam a um ambiente recorrente e familiar da tapeçaria em espaço doméstico e sua associação com motivos botânicos com cores e composições vintage. Já em Acessório 1/Handjob (2024), o objeto em formato de luva térmica bordada com motivos de cozinha é tensionado pelo título e pela conotação também sexual do termo “handjob”.
As fotografias, objetos e instalações de Cícero Costa exploram, fundamentalmente, questões de memória a partir de suas vivências e experiências cotidianas, compondo, de forma poética, seu olhar sobre a cidade de São Paulo. Também celebram seus familiares, principalmente seus pais, motivo recorrente em suas obras. Na exposição, Avental de trabalho da minha mãe (2019), uma instalação composta pela vestimenta de sua mãe pendurada na parede, é acompanhada por uma fotografia dela no trabalho de vendas de roupas no Brás, em São Paulo. Juntas, essas obras nos levam ao centro de questões como identidade, trabalho, cuidado e memória a partir de uma perspectiva pessoal e afetuosa.
A obra de Luiz Escañuela relaciona corpo, paisagem, cartografia e política. Ao aproximar a representação do território da pele e das vísceras, o artista explora a topografia de mapas como se fossem órgãos, conferindo-lhes materialidade humana. Ao elaborar analogias entre o corpo e a geologia, aplicadas a desenhos cartográficos, o artista cria obras ricas em texturas e cores, como rosas e vermelhos. Elementos em cerâmica fria indicam o desenho e os relevos deste espaço, mas, principalmente, como o território aí representado foi transformado por diversas pessoas ao longo da história. Em “Coreografia Encarnada da Capitania de S. Paulo”, Escañuela utiliza um mapa de 1792 e o transforma de modo a indicar mudanças fundamentais realizadas por bandeirantes e tropeiros que marcaram para sempre aquele território. A conexão com memória e história também está presente nos materiais do trabalho, já que todos são reutilizados, como a lona de 10 anos, que serve de base para a obra, além do vergalhão e dos ganchos de açougue que a sustentam.
A paisagem natural também é fonte de inspiração para os objetos, tapetes, mantas e estofados em tricô de Paola Muller. A artista traz sua experiência com a moda, alinhando design à conexão entre corpo e espaço. Em suas obras, ela experimenta com formatos orgânicos, cores e texturas que conectam os sentidos visual e tátil. Na obra Pororoca (2025), feita em parceria com Taty Takasse, as artistas trazem a força e o encantamento do encontro do mar com o rio neste fenômeno natural amazônico, reforçando o movimento das águas e a relação entre os azuis e marrons na base de tricô com intervenções em bordados feitos à mão.
O elã da trama traz também mobiliários e objetos que, juntos, compõem os ambientes expositivos do Apartamento 61. O banco Guêra, por exemplo, do escritório paraense Guá Arquite tura, tem sua estrutura produzida por mestres artesãos com madeira rejeitada pela indústria tradicional e assento feito por mulheres seringueiras em látex natural e algodão amazônicos. Já a cadeira Naia, criada em parceria entre Guá Arquitetura e Pirilampos do Planeta, é feita com resíduos da indústria têxtil, como jeans, tecidos e tapetes.
A exposição articula questões contemporâneas a partir da prática dos artistas e designers, evocando um entrelaçamento com o ambiente a partir dos mobiliários e das inserções da vida no cotidiano. O têxtil é imbricado na poética do ordinário e a expografia reflete esse pensamento, projetando-se para além do cubo branco. o elã da trama ocupa uma casa em todas as suas particularidades e transforma o espaço em tramas matéricas.
Anita Goes, Mariane Beline e Iara Pimenta
Maio de 2026
